► L'ÉCONOMIE DU COUPLE (2016)

Réalisé par Joaquim Lafosse ; écrit par J. Lafosse, F. Bourdino, M. Pingeot et T. Van Zuylen

... La désunion passionnée

Le belge Joaquim Lafosse avait entamé l’année avec son film tiré de la rocambolesque histoire de L’Arche de Zoé, un fiasco humanitaire dont on se souvient encore. Les chevaliers blancs, avec Vincent Lindon, a donc déjà son successeur et malgré une sortie inhabituellement aussi rapprochée, la qualité est toujours au rendez-vous pour son nouveau film. L’économie du couple a bénéficié d’une exposition au dernier festival de Cannes lors de la très prisée Quinzaine des réalisateurs. Le cinéaste s’installe de plus en plus dans la sélection cannoise après avoir commencé par y présenter A perdre la raison dans la catégorie Un certain regard en  2012. Avant d’intégrer la compétition officielle ? Car ses films sont d’un intérêt certain, toujours subtil et habile dans son approche des relations humaines, le réalisateur pointent sa caméra là où ça fait mal, là où les limites se heurtent à la résistance ou à la déchéance. C’est précisément dans cet infernal entre-deux que se trouvent les protagonistes de L’économie du couple : un homme et une femme sont en pleine crise conjugal, devant le regard inquiet de leurs deux jeunes filles. La rupture est consommée mais pas la séparation : en conflit sur le partage de l’appartement commun, Marie et Boris refusent chacun d’abdiquer et continuent donc de vivre sous un même toit devenu le lieu de leurs virulentes disputes quotidiennes. Cette cohabitation forcée aggrave la douleur d’un bonheur qui n’est plus qu’un leurre, l’entente de façade ne résiste pas aux rancœurs que cristallise le différent sur l’habitation. Cela ne peut plus durer mais comment y mettre un terme quand chacun refuse de comprendre l’autre ? Thème majeur du cinéma, la crise conjugale n’a pas épuisé tous ses ressorts pour celui qui sait s’en emparer avec intelligence et c’est le cas de Joaquim Lafosse qui fait d’une passion devenue confrontation un film fin, tendu et ambigu. 

 « Je l’ai vraiment aimé, mais là c’est pathétique » : Marie constate amèrement l’impasse dans laquelle elle s’est engouffrée et dont elle ne sait comment se sortir. La situation est en effet des plus détestables : vivre avec une personne qu’on ne supporte plus est un supplice que cette mère de famille se refuse à endurer plus longtemps. La mise en scène toujours aussi inspirée du réalisateur ne tarde pas à signaler l’anomalie d’un quotidien ritualisé : entre les devoirs, le bain et le dîner vient s’intercaler un mari qui n’est pas attendu. Il n’est d’abord qu’une voix qui surprend Marie puis un corps qui ne rentre pas dans le cadre : il n’est pas le bienvenu dans le champ comme il n’a plus sa place dans la maison. « C’est pas ton jour ! » : on comprend que ce qui reste du couple a dû s’organiser pour certes cohabiter mais en laissant le plus possible d’espace à l’autre… Pas si simple ! Le choix du huis clos est pertinent puisqu’il est un rappel incessant de ce qui étouffe Boris et Marie dans une destruction journalière. On pense bien sûr au modèle du genre : Le Chat (Pierre Granier-Deferre, 1971) avec l’affrontement d’un couple vieillissant joué par les deux monstres sacrés qu’étaient Gabin et Signoret. Chez Joachim Lafosse, c’est l’appartement qui devient l’objet de toutes les attentions et de toutes les discordes : il appartient à Marie mais Boris y a fait des travaux conséquents, l’un et l’autre revendiquent donc sa propriété.  Devenu le catalyseur des reproches, il est le témoin muet d’une unité transformé en frontière (de la chambre séparée à l’étagère du frigo !) puisqu’il faut bien se partager cet environnement de vie, avec toute l’ambivalence que cela suscite. L’excellente scène du repas avec les amis de Marie (et donc de Boris) installe un malaise communicatif et une tension exacerbée : quelle est la place de chacun dans ce règlement de compte ? Marie vit toujours avec  Boris mais ne l’aime plus, ses amis sont venus la voir mais peuvent-ils ignorer le mari ? Et lui, doit-il faire profil bas ou jouer les victimes ? Dans un écho à la célèbre scène de repas d’A nos amours (Pialat, 1983), le cinéaste donne à cette séquence une pulsion dramatique dont les acteurs s’emparent avec force.

Car une histoire de couple se doit d’avoir des interprètes à la hauteur des ambitions du réalisateur et c’est bien le cas ici. Le choix de Bérénice Bejo (qui avait déjà joué une femme au cœur d’un conflit familial dans Le passé d’Asghar Farhadi) s’avère d’une grande justesse, elle porte le rôle de Marie avec un entrain qui se ressent, laissant éclater sa colère comme ses moments de détresse. La répartie cinglante et masculine est assurée par un Cédric Kahn qu’on connait plus réalisateur qu’acteur, même si ce n’est pas sa première expérience. Le réalisateur de Vie sauvage (2014) compose un contrepoids solide, lui qui a souvent mis en scène le couple comme dans L’Ennui ou encore Les Regrets. Sans oublier une Marthe Keller en matriarche dépassée, aux mœurs d’un autre temps, qui déplore le manque de combattivité des couples d’aujourd’hui pour durer. Les deux acteurs nous rendent leur personnage consistant et vibrant, faisant de Marie et Boris des adultes entêtés mais à l’écoute de leurs enfants qu’ils essayent malgré tout de préserver. La belle scène de la danse familiale illustre le piège d’une situation en trompe-l’œil où chaque moment ravive un souvenir ou en crée un nouveau dans l’artifice d’un vivre-ensemble qui n’a plus lieu d’être. L’économie du couple est un déchirement physique et psychologique intense de deux amoureux devenus odieux l’un envers l’autre, emmurés dans un lieu comme en leur passé et dont l’avenir ne pourra s’espérer que hors les murs…

Publié sur Le Plus de L'Obs.com

10/08/16            

► JASON BOURNE (2016)

Réalisé par Paul Greengrass ; écrit par Paul Greengrass et Christopher Rouse

... Le mouvement dans la peau

Matt Damon avait prévenu : il n’endosserait de nouveau le rôle de Jason Bourne que si le réalisateur Paul Greengrass reprenait la saga en main. Ce dernier s’était en effet retiré du quatrième opus qui devait faire suite au succès de La vengeance dans la peau (pas moins de 3 Oscars en 2008). Le film s’était alors quand même fait mais sans l’acteur ni le réalisateur, faisant de cette histoire (Jason Bourne : L’héritage) une ramification à l’univers originel, créant pour l’occasion un autre héros (porté par Jeremy Renner) directement touché par les événements provoqués par Jason Bourne dans les films précédents. Paul Greengrass étant de retour, son acteur fétiche (avec qui il tourne ici son 4^ème film) rempile donc pour une aventure haletante. La saga (commencée en 2002) a réussi à s’imposer au fil des ans comme une référence dans le genre du film d’action et d’espionnage et est surtout parvenu à faire entrer Jason Bourne, tueur repenti manipulé par la CIA, dans la galerie des personnages de cinéma qui compte. Adaptés des romans de Robert Ludlum, les trois premiers films ont tissé une toile nébuleuse autour des projets secrets de l’agence américaine de renseignement et de ses pratiques sans concession. Tous les films ont ainsi cette particularité d’être reliés entre eux avec un fil rouge : Treadstone. Nom d’un programme de la CIA dont est issu Jason Bourne. Ce cinquième opus réveille les vieux démons d’un programme qui n’a pas fini de faire des vagues. Retiré loin des conspirations, l’agent en fuite voit surgir une figure de son passé : Nicky Parsons (seule rescapée des films précédents) qui le contacte pour lui transmettre des documents qui font apparaître sous un autre angle le projet Treadstone. Cette découverte fait à nouveau de Jason Bourne une cible que la CIA compte définitivement abattre, à moins qu’elle n’essaie de le rallier…Paul Greengrass retrouve d’emblée ses réflexes qui lui avaient permis de marquer la saga de son empreinte énergique. Cette immersion, entre poursuites et trahisons, sécrète une adrénaline jouissive qui nous laisse le souffle court et la rétine en alerte.

« On the move ! » : certainement l’exclamation la plus utilisée dans la saga tant elle est caractéristique du mouvement perpétuel qui agite les protagonistes et ce cinquième film ne fait pas exception à la règle. Il n’y aura aucun répit : laissé pour mort dès la première image du film inaugural (La mémoire dans la peau) comme dans celle du dernier avec Matt Damon (La vengeance dans la peau), ce corps en suspension dans l’eau finit toujours par reprendre vie. Il n’est donc pas étonnant de retrouver un Jason Bourne passant le temps en combattant à mains nues des adversaires dans des lieux sordides pour une poignée de billets. L’ex-agent en étant réduit à utiliser la seule chose qu’il lui reste : sa carrure et ses techniques de combats, perpétuant malgré-lui l’héritage empoisonné de Treadstone. Jason Bourne est un mort-vivant (la caméra de Paul Greengrass pointe d’ailleurs furtivement les impacts de balles sur son dos) qui se sert presque mécaniquement d’un corps qui reste celui d’un homme qu’il n’a plus voulu être. Mais dans l’impossibilité de redevenir un David Webb (sa vraie identité) qui n’existe plus, son destin n’est-il pas de continuer à être Jason Bourne ? On le voit bien : dès que Nicky le remet en selle, il retrouve tous ses réflexes, il reste programmer pour agir, le titre du film n’est-il d’ailleurs pas tout simplement son prénom et son nom ? Comme une identité qui lui colle à la peau, on ne se débarrasse pas de ses oripeaux façonnés par les services secrets.  C’est en tous cas ce que croit la CIA qui envisage même de le réintégrer ! A moins qu’il ne s’agisse là que d’une manœuvre ?

Car les habitués de la saga savent qu’une parole cache toujours un mensonge: Jason Bourne est autant un film d’action que d’espionnage et ce cinquième opus s’inscrit pleinement dans le cyber-monde qui est le nôtre. Si la technologie et les écrans ont toujours été au cœur du dispositif de traque de Jason Bourne (les scènes dans les centres de contrôle avec les chefs et les opérateurs sont des éléments typiques de la saga), ils prennent ici une autre dimension. En effet, le film introduit en écho aux problématiques actuelles sur les réseaux sociaux et la vie privée, le personnage d’Aaron Kallor (sorte d’avatar de Mark Zuckerberg) dont l’ambition de créer un gigantesque réseau public sur Internet intéresse la CIA pour les raisons que l’on devine. Sous couvert de liberté, c’est bien de surveillance généralisée dont il s’agit. « Si tu sors des écrans, tu vis », cette sentence de Jason Bourne résume son approche de la dissimulation, lui qui n’a eu de cesse de fuir son image démultipliée par des écrans de surveillance. Paul Greengrass reprend le principe du montage parallèle qui dynamise les scènes de traques (sur le terrain et en salle de commandement) et leur confère ce côté terriblement accrocheur qui fait la spécificité de la saga). De même, fidèle à son style reportage (avec caméra en mouvement, recadrages nerveux et montage épileptique), il électrise l’action comme il avait si bien su le faire dans les opus précédents. Tommy Lee Jones (Dewey) et Alicia Vikander (Heather) sont à la tête des recherches et font preuve de la même hargne que leurs prédécesseurs. Aux scènes de poursuites mémorables des films précédents s’ajoutent des séquences tout aussi performantes comme la traque pendant des émeutes en Grèce qui multiplie les embûches de manière frénétique avec entre autres la menace de l’Atout (le tueur mandaté par la CIA pour éliminer Jason Bourne), interprété par notre Vincent Cassel national (qui continue avec succès sa carrière hollywoodienne). Retour aux sources dans tous les sens du terme pour ce Jason Bourne qui évolue néanmoins avec son temps et prouve qu’il est un mort bien vivant.

Publié sur Le Plus de L'Obs.com

11/08/16